Expresiones corporales

¡Bienvenidos de nuevo lectores!

Hoy comenzaremos contextualizando la sesión desarrollada para posteriormente mostraros el producto de esta.

Introducción

El análisis de la forma humana es fundamental para entender la comunicación visual y la expresión del arte. El cuerpo actúa como un instrumento de lenguaje no verbal que comunica sensaciones, emociones e intenciones sin usar un solo vocablo. Para los aprendices, el arte de dibujar la figura humana es un trayecto que trasciende el mero trazo, ya que envuelve el conocimiento de la observación, la coordinación y  las proporciones. 

Entender la forma del cuerpo humano ayuda a dibujarlo de una forma más exacta y llena de vida. Cuando los estudiantes observan sus medidas y sus maneras de moverse, pueden aumentar su habilidad de ilustrar y enriquecer su visión artística. 

Evolución en la representación del cuerpo humano

La manera de mostrar el cuerpo humano ha cambiado a lo largo de los años, mostrando las creencias, cánones y valores de cada periodo. 

Arte prehistórico: La figura simbólica y la fertilidad 

En tiempos antiguos, el cuerpo humano era mostrado con un aire simbólico. Un buen ejemplo es la Venus de Hohle Fels, una mini escultura de marfil que destaca rasgos relacionados con la fertilidad y la continuidad. Estas figuras no pretendían un realismo anatómico, sino resaltar la esencia de la maternidad y la plenitud. 

                                                     

Wikipedia. (s.f.). Venus de Hohle Fels [Fotografía]. Wikipedia. Recuperado el 25 de febrero de 2025, de https://es.wikipedia.org/wiki/Venus_de_Hohle_Fels#Referencias

Arte mesopotámico: Rigidez y jerarquía 
En la antigua Mesopotamia, el arte era marcado por una estructura rígida y una clara jerarquía. Las representaciones eran a menudo serias, reflejando el estatus de las personas.
En la antigua Mesopotamia, las imágenes del cuerpo humano giraban en torno a patrones geométricos y estilizados. Las figuras eran como estatuas, con posturas rígidas y manitas cruzadas sobre el pecho, mostrando cuán vital era la solemnidad y el poder en la sociedad. 

Arte romano: Naturalismo y expresividad 
Siguiendo el camino de los griegos, los romanos hicieron magia en la representación del cuerpo humano, pero con un ojo más realista. Las esculturas romanas atrapaban detalles únicos, sonrisas y signos de la vejez, poniendo la identidad y la propia historia antes que la idealización. 

Barroco: Movimiento y dramatismo 
Durante la época barroca, el cuerpo humano fue mostrado con una energía y dramaticidad desbordante. Creadores como Caravaggio y Bernini jugaron con luces, sombras y arreglos vibrantes para aumentar la sensación en sus creaciones. Un claro ejemplo es el "Éxtasis de Santa Teresa" de Bernini, donde el cuerpo emite una poderosa carga emocional a través de la danza y la expresión. 

Wikipedia. (s.f.). Éxtasis de Santa Teresa [Fotografía]. Wikipedia. Recuperado el 25 de febrero de 2025, de https://es.wikipedia.org/wiki/Éxtasis_de_Santa_Teresa#Referencias

Arte actual: Variedad y reimaginación del cuerpo 

En el siglo XX y XXI, la forma del ser humano ha sido analizada desde diversas miradas. Creadores como Egon Schiele retorcieron la anatomía para resaltar los sentimientos, mientras que Cindy Sherman ha jugado con la representación del cuerpo para desafiar los clichés de género.  En el presente, el arte muestra una variedad más amplia y una evaluación a los estándares de belleza convencionales.

Desarrollo de la clase

Tras la contextualización teórica, pasamos a poner a prueba nuestros conocimientos acerca de cómo representar figuras humanas, posturas, movimientos y gestos. 

Para esta tarea, cada alumno obtuvo tres folios tamaño A3. En la primera, se hizo un corte por la mitad, y la sección izquierda (derecha en mi caso, porque me equivoqué) se dividió en ocho pedacitos iguales para ilustrar el canon de las ocho cabezas. Después, la parte superior se cortó en tres porciones más pequeñas. Una vez que estas guías fueron trazadas con la mayor exactitud posible, se continuó con el dibujo caligráfico, empezando por la cabeza. 

A partir de ese momento, se sumaron los hombros, los codos, las muñecas y las manos, poniendo especial atención en las articulaciones. Luego, se trazó el torso, representando la caja torácica. En la cuarta parte, se colocó la pelvis, desde donde se dibujaron las piernas. Las rodillas se encontraron en la sexta división, mientras que los pies tomaron la última parte de la página. 

Siguiendo el mismo proceso, se efectuó una segunda imagen,  esta vez mostrando el perfil de la figura humana, conservando las proporciones fijadas en la vista frontal. 

Tras terminar con esta primera mitad y después de adquirir algo de soltura en el tema, el profesor nos proyectó una figura humana en la pizarra digital la cual debimos de imitar en la parte derecha sobrante (mi izquierda).

Ahora os muestro algunas fotos del proceso de esta primera actividad por orden:

En la segunda hoja, trazamos cuatro divisiones iguales y representamos, con ceras, el movimiento de las posturas que él nos expuso. Para esta parte, disponíamos de 20 segundos por figura.

Foto del resultado final:

En la tercera y última hoja, hicimos lo mismo que en la anterior, pero sin hacer divisiones, con una única figura y, en vez de 20 segundos, 5.
 

Foto del resultado final:

Conclusión

En la clase de hoy he aprendido cómo representar figuras humanas en movimiento de forma sencilla. Las dos últimas tareas me han parecido especialmente curiosas, ya que me han hecho reflexionar sobre la rapidez con la que captamos los detalles. En tan solo 20 o 5 segundos, somos capaces de captar la forma de un cuerpo, su movimiento, sus acciones, e incluso podríamos decir que hasta sus estados de ánimo, y representarlos con trazados rápidos de forma que se muestren todos esos aspectos.

¡Hasta la próxima!

Referencias Bibliográficas

Conard, N. J. (2009). Venus de Hohle Fels [Escultura]. Museo de Prehistoria de Blaubeuren, Alemania. Recuperado de https://es.wikipedia.org/wiki/Venus_de_Hohle_Fels

Bernini, G. (1647-1652). Éxtasis de Santa Teresa [Escultura]. Iglesia de Santa Maria della Vittoria, Roma, Italia. Recuperado de https://es.wikipedia.org/wiki/Éxtasis_de_Santa_Teresa

Gombrich, E. H. (1997). La historia del arte. Phaidon.

Hauser, A. (1982). Historia social de la literatura y el arte. Debate.

Honour, H., & Fleming, J. (2010). Historia mundial del arte. Akal.

AUTORRETRATO

 Bienvenidos de nuevo. Hoy voy a presentaros la sesión que hemos tenido acerca del autorretrato.

El autorretrato es una forma de expresión artística que permite a los creadores indagar en su identidad y emociones a través de su propia imagen. Más que una simple representación visual, el autorretrato se ha convertido en una herramienta de autoconocimiento y expresión personal, reflejando no solo la apariencia del artista, sino también sus pensamientos y sentimientos.

A lo largo de la historia, el autorretrato ha cambiado en función de los contextos culturales y estilísticos de cada época. Durante la Edad Media, los artistas rara vez se representaban a sí mismos, pero con el Renacimiento, esta práctica cobró mayor importancia. Alberto Durero fue uno de los pioneros en este campo, creando autorretratos con un alto nivel de detalle y explorando la introspección personal a través de su imagen (Gombrich, 1997).

Más adelante, en el siglo XIX, artistas como Gustave Courbet utilizaron el autorretrato para transmitir emociones intensas. En "Autorretrato, el desesperado" (1843-1845), Courbet juega con luces y sombras para resaltar la angustia y desesperación que se reflejan en su rostro (Nochlin, 1971). Luego, en el siglo XX, el expresionismo llevó esta práctica a un nivel más subjetivo y emocional, como se puede ver en "Autorretrato con chaleco amarillo" (1914) de Egon Schiele, donde su mirada intensa y su trazo enérgico evidencian su estado emocional (Whitford, 1981).

Figura 1: Autorretrato de Egon Schiele. Schiele, E. (1914). Autorretrato con chaleco amarillo. Leopold Museum, Viena. 

Una vez contextualizada la temática de la clase os cuento como lo llevamos a la práctica.

Para realizar el autorretrato, nos basamos en un selfie que nos hicimos el otro día. A partir de esa imagen, fuimos trazando líneas paralelas por el folio para asegurar la simetría entre los lados de la cara. Este método nos ayudó a mantener las proporciones y a capturar con mayor precisión nuestros rasgos faciales. Además, analizamos las distintas formas de la cara, los ojos, la nariz, la boca y otros detalles faciales, comprendiendo cómo cada uno de estos elementos puede variar de una persona a otra. Este ejercicio nos permitió observar cómo las características individuales influyen en la representación visual y cómo podemos reflejar esas diferencias en el dibujo.

Finalmente, el profesor nos dio un minuto y medio para colorear el retrato, lo que nos desafió a trabajar rápidamente y a seleccionar los colores que mejor representaban nuestra imagen en un tiempo limitado.

Algunas fotos del proceso:

El resultado final:

Referencias

• Gombrich, E. H. (1997). "La historia del arte". Phaidon.

• Nochlin, L. (1971). "Realism". Penguin Books.

• Whitford, F. (1981). "Egon Schiele". Thames & Hudson.

PRESENTACIÓN

Queridísimos lectores,

Os presento mi portafolio de prácticas de Plástica. En él me acompañaréis a lo largo de la asignatura, viendo juntos mi avance y los contenidos tratados.

Para comenzar, esta soy yo, Lucía Ortega: 

         

Tengo 19 años, estudio 2º del Grado de Educación Primaria en la Universidad de Salamanca y soy gallega, de Pontevedra concretamente.

En esta foto me podéis ver junto a la que yo considero mi hermana pequeña, mi perrita Coqueta, que lleva 11 años conmigo, y con mi vestido favorito, rosa, obviamente. 

Para que me conozcáis un poco antes de meternos en la asignatura, voy a profundizar un poco más en las cosas que me gustan. Vivo en Pontevedra con mis padres, mi hermana mayor y Coqueta, mi mascota. Toda mi familia es docente, desde mis padres hasta mis tíos y demás. Debo decir que ninguno fue obligado; siempre hemos compartido la vocación por enseñar.

Desde que nací hasta los 8 años viví en Sanxenxo, un conocido lugar de veraneo en el norte, donde crecí apreciando el mar y la tranquilidad que este proporciona. A los 8 años me mudé a la aldea de mis abuelos. Si tuviese que decir cuál de los lugares en los que he vivido me ha marcado más, sería este sin duda. Aquí conocí mi pasión por los animales y la naturaleza. Si otra cosa compartimos en mi familia, es la sensibilidad por ellos. A los 11 años, decidimos mudarnos al centro de la ciudad, donde resido hasta la actualidad y donde he vivido toda mi adolescencia.

A lo largo de mi vida he pasado por decenas de deportes. Bailo desde que tengo 3 años y he practicado baile gallego, moderno, de salón y zumba. También hice circo (para quien no lo sepa, es como bailar colgada en telas), gimnasia rítmica, voleibol y patinaje, entre otros. Esto lo compaginaba con clases de guitarra en una escuela de música y con el coro, donde cantaba. Además, asistí a clases de ajedrez, inglés, técnicas de estudio y a cursos de cocina. Cocinar es otra de mis pasiones desde que tengo 3 años.

Finalmente, comentaremos un poco acerca de mi trayectoria en la asignatura. Plástica ha sido siempre mi segunda asignatura favorita, después de Educación Física. Durante la etapa de primaria, considero que el principal objetivo de esta fue desarrollar mi creatividad y hacerme pasar un buen rato. En la ESO, fue perdiendo protagonismo entre mis asignaturas favoritas al introducirse las reglas, escuadras y compases en la ecuación, lo cual me desmotivaba bastante. Por suerte, en bachillerato pude escoger como optativa Dibujo Artístico y recuperar ese gusto por el arte.

Ahora que ya nos conocemos, hablaremos del portafolio y lo que espero de la asignatura de Plástica. 

El portafolio es definido como "Un sistema alternativo de evaluación que comprende la compilación sistemática de trabajos, materiales y actividades que desarrolla el estudiante durante un periodo determinado, y que demuestra evidencias y vivencias de aprendizaje que facilitan la apreciación de su progreso y apropiación de determinados conocimientos". (Ahumada, 2005; p.141).

El propósito de este es ayudar al alumnado en la progresión de su aprendizaje, a reflexionar sobre sobre su propio desarrollo, a ser críticos con su trabajo y a objetivar su capacidades. Y ayudar al docente  en la evaluación de las tareas diseñadas, comprobando si el tiempo planificado se ajusta a la realidad, en la valoración del trabajo global del alumnado y en la reflexión del docente sobre su propio desempeño.

En cuanto a esta actividad, mis expectativas son muy positivas. Creo que es mucho más eficaz a la hora de crear conocimientos significativos y visuales que una prueba escrita. Espero haceros ameno este blog y que disfrutemos mucho, tanto vosotros leyéndolo como yo escribiéndolo.

Hoy en clase hemos realizado un selfie como punto de partida para un ejercicio creativo. Nuestro objetivo es modificar la imagen con herramientas artísticas y digitales para lograr una representación lo más fiel posible a nuestra apariencia real. A través de este proceso, trabajaremos habilidades como la observación, la precisión y el manejo de diferentes técnicas de edición.

Mi selfie:

¡Hasta la semana que viene chicos!